Режиссер Андрей Гончаров любит работать со сложной прозой, той, что никогда не шла на театральных подмостках. В МХТ он уже поставил «Чрево» по раннему рассказу Евгения Замятина, а в московском ТЮЗе совсем недавно выпустил «Бесконечную историю» по роману немецкого писателя Михаэля Энде.

«Далекая Радуга» — спектакль по одноименной фантастической повести Аркадия и Бориса Стругацких (автор инсценировки Надежда Толубеева). Время действия — далекое будущее, начало XXIII века. Место действия — планета Радуга, на которой ученые-физики проводят свои эксперименты. В ходе опытов неизменно образуется энергетическая Волна, которую обычно удается сдерживать при помощи специальных приборов, но однажды ситуация выходит из-под контроля. Люди понимают, что Волна очень быстро уничтожит все живое на Радуге, а эвакуировать всех невозможно...

«Мы всегда торопимся. Всегда нас что-то или кто-то подгоняет. Быстрее, ещё быстрее... А нельзя ли ещё быстрее? Можно, отвечаем мы. Пожалуйста!.. Нет времени осмотреться. Нет времени подумать. Нет времени разобраться — зачем и стоит ли? А потом появляется Волна».

Режиссёр Денис Азаров: «„Дядя Ваня“ — история про одиночество. Глубокое, глобальное, ментальное одиночество. Во всех пьесах Чехова, и в „Дяде Ване“ особенно, люди говорят не то, что они хотят сказать, любят не тех, кого они хотели бы любить, живут не там, где мечтают, занимаются не тем делом, которым бы они хотели заниматься. Казалось бы, можно всё изменить, например, просто взять билет и уехать в другой город, но страх перемен обездвиживает. Безысходность по всем показателям. Тем не менее мы постараемся отнестись к страданиям персонажей с иронией и сделать эту историю смешно и забавно. Хотя, конечно, всех будет жаль, потому что мне лично, как режиссеру, их очень, очень жаль».

На основе писем Астрид Линдгрен и Сары Швардт

Однажды знаменитая писательница Астрид Линдгрен получила письмо от 12-летней девочки по имени Сара. Оно не было похоже ни на одно из ранее присланных. В нём было что-то такое, что зацепило Астрид, она сумела разглядеть в подростке подвижную, сложную, творческую природу — и на долгое время стала настоящим (а, возможно, и единственным) другом Сары.

Так началась их переписка, продлившаяся с 1971 года до самой смерти Линдгрен в 2002 году.

В письмах они говорили обо всем: о жизни, справедливости, вере в Бога, о многих важных для подростка вещах. Сара делилась с Линдгрен своими проблемами, страхами, мыслями и трудностями, которые свойственны тинейджерам всего мира во все времена, а в ответ получала не нотации и мораль, а внимание, жизненный опыт, размышления, честные ответы и советы.

В переписке Астрид Линдгрен и Сары Швардт — целая жизнь, в которой они так ни разу не встретились «вживую».

Режиссёр спектакля Георгий Смирнов: «Вдохновением для этого проекта стала книга „Ваши письма я храню под матрасом“ — переписка знаменитой детской писательницы Астрид Линдгрен и ничем не примечательной девочки Сары. Тексты писем показались мне невероятно живыми, материал в меня очень „попал“. Мы с нашей командой стали его „рассматривать“, обсуждать, искать возможности к его выражению. Так появились пьеса и наш спектакль.

История Сары — отправная точка. В этой работе мы всей командой примеряем на себя её роль. Стараемся „быть увиденными“, сохранить в себе внутреннего ребёнка, проявить это уникальное свойство Сары (так похожей на Пеппи Длинныйчулок) — жить чувствами, жить в своих выдумках и мечтах, ошибаться и рисковать так, как умеет только подросток.

Мы хотим обратить внимание наших зрителей на это особенное состояние человеческой души, которое необходимо оберегать. А также, конечно, мы хотим говорить о том, что каждый „трудный ребёнок“ должен быть „увиденным“. И, возможно, если его как следует разглядеть, то он окажется не таким-то и трудным».

* Во время действия спектакля используются импульсные световые вспышки

«Амадей» рассказывает не о зависти, а о неразделенной любви.

Антонио Сальери обещает Богу целомудрие и праведную жизнь в обмен на возможность стать знаменитым композитором. Он убежден, что Бог согласился на эту сделку. Но когда дар гениальности получает от Бога не он, а Моцарт, бестактный и взбалмошный подросток, Сальери понимает, что обманут. Имя Amadeus означает любовь Бога, и эта любовь обращена на Моцарта, а не на Сальери.

Для Сальери мучительно осознавать, что Бог выбрал своим инструментом другого человека. Он объявляет сделку с Богом недействительной и начинает ему мстить, уничтожая Моцарта. Тот факт, что Сальери единственный, кто при дворе императора способен в полной мере оценить талант Моцарта, развязывает ему руки.

Обычно, говоря о расплате за вечность, мы вспоминаем историю Фауста. Сальери в отличие от Фауста хотел заключить сделку с Богом, а не с дьяволом. Но Бог не заключает сделок. Высшим наказанием для Сальери, все долгие годы его жизни, стало мучительное понимание бессмертия музыки Моцарта и осознание бессмысленности своих действий.

Анатолий Шульев, режиссёр:  Это история о природе таланта, о вечной неудовлетворенности человека собственной жизнью, и о его беззащитности перед Вечностью. Антонио Сальери когда-то был самым популярным и востребованным композитором Вены, но теперь, в старости, он всеми забыт. Больше всего на свете Антонио боится забвения. Он готов на всё, лишь бы остаться в памяти потомков. И он не понимает, где в прошлом что-то пошло не так. Для этого старик Сальери погружается во сны наяву — в воспоминания о прошедшей жизни, где он ещё молод, успешен, и где ещё жив тот, кого мир помнит и любит до сих пор — гениальный и неразгаданный Вольфганг Амадей Моцарт.

Сценическая версия Натальи Ковалёвой

Захватывающее путешествие в стиле джаз по миру моды и чувственной поэзии Владимира Маяковского.

Его жизнь — клубок противоречий: главный поэт революции был потомственным дворянином, изысканным модником и безнадежным романтиком. Воспевая советскую одежду, он шил сорочки на заказ в Париже; провозглашая революционные манифесты, он писал нежнейшие любовные стихи; предвосхищая появление соцсетей, он выставлял свою личную жизнь напоказ. Считая, что без галош элегантнее, он волею судьбы и революции был вынужден надеть галоши...

Футуристические страсти и модные дефиле под ритмы малоизвестных стихов Владимира Маяковского ворвутся в мастерскую таинственного портного, где «на живую нитку» будет сшит костюм-судьба величайшего поэта.

При поддержке Государственного музея В.В. Маяковского.

Новая интерпретация знаменитого текста отличается от других версий не только необычной формой воплощения, но и количеством героев. В спектакле — сразу три Зилова, символизирующие до боли знакомый образ человека, хотя бы раз в жизни встречавшийся каждому из нас.

Главный герой пьесы Александра Вампилова «Утиная охота» вошел в историю как русский Гамлет. Постигая тайны собственного я, одинокий и опустошенный Зилов рефлексирует мир вокруг в попытке понять «быть или не быть». Хореограф Анна Закусова решает драматическую ситуацию через пластику, выражая в ней все то, что нельзя высказать словами.

Режиссер Анна Закусова: «Мне интересен Зилов. Я хочу поговорить о нём, о его состоянии. Пьесу Вампилова долго не ставили, даже всем полюбившийся фильм пролежал на полке, пока его не увидел зритель. Вампилов, продолжая традиции Чехова и Гоголя, говорит о „лишних людях“, и я понимаю, что знаю таких людей, знаю Зиловых. Мне интересно говорить про них, про этих настоящих людей.

Мы видим Зилова в драматически напряженный момент его жизни, на пороге, который нужно переступить. Момент, который вынуждает Зилова к действию. Вся пьеса, воспоминание, даже как будто сон. И эта нереальность происходящего даёт возможность говорить на языке движения, тела и пластики...»

Долгожданная премьера обжигающе-прекрасной постановки «104 страницы про любовь» режиссера Виктории Печерниковой по легендарной пьесе Эдварда Радзинского.

Девушка, витающая в небесах, и циничный мужчина, человек науки, твердо стоящий на земле — они столь непохожи, у каждого свои ценности, опыт и взгляд на мир. Но внезапно: неловкие встречи у ночного стадиона, разговоры вроде бы о пустяках, дважды пропущенный автобус...

Почему, оставив записку «встречаться не надо», такие разные люди, как физик-ядерщик и стюардесса, все же идут к месту встречи? И как часто мы говорим глупости, чтобы молчать о главном? Ностальгическая мелодрама в стиле ретро-футуризма исследует сущность любви и отношение к ней сегодня.

Любовь — это не страсть, не влюбленность, это бессмертие, это тяжелое бремя, но есть ли что-то важнее на этом свете? Именно об этом предстоит размышлять сотруднику НИИ Электрону Евдокимову и влюбленной в него Наташе.

«Я писал пьесу о любви. О том, как люди попадают в любовь, как под поезд» — Эдвард Радзинский.

Радзинский создал пьесу в 25 лет и сразу же прославился на всю страну. А в 1968 году известный кинорежиссер Георгий Натансон снял по ней фильм «Еще раз про любовь» с Татьяной Дорониной и Александром Лазаревым, который стал классикой советского кинематографа и тонко передал атмосферу «оттепели».

Пьесу поставила первый стипендиат премии А.Эфроса, учрежденной театром «Et Cetera», Виктория Печерникова: «Главные действующие лица: физики-ядерщики, стюардессы, поэты — все они самые важные люди эпохи 60-х — времени надежд, свежего воздуха и свободы. Но при этом к любви они относились цинично, ставили на второе место. И это перекочевало в наши дни — кто сейчас по-настоящему верит в духовную, высокую любовь? Вернуть слову „любовь“ исходное значение и узнать, исчезла ли душа за вуалью технологий, не упав в банальность и сентиментальность — этого мы хотим добиться от постановки».

Неоконченная пьеса немецкого драматурга, учёного и поэта XIX века Георга Бюхнера основана на документальной истории цирюльника из Лейпцига по фамилии Войцек.

Из ревности он убил свою жену и был приговорён к смертной казни. Во всемирно известном сюжете, освоенном и оперой, и балетом, и кинематографом, герой становится солдатом, над которым ставят медицинские эксперименты. Бюхнер знал об этом не понаслышке: современникам он был известен как автор курса сравнительной анатомии человека.

Режиссёр Филипп Гуревич предлагает взглянуть на «Войцека» не как на драму маленького человека, подавляемого большинством, а как на бытовую трагедию, в шаге от которой — каждый из нас. Создатели сочиняют выразительный мир немецкого экспрессионизма, а зрители оказываются внутри игрового пространства, в прямом контакте с артистами, и становятся участниками суда над героем. Войцек, загнанный в сценический круг, — человек или насекомое? Жертва или убийца? Как вырваться из болота обстоятельств, принуждающих тебя к насилию? Вынося приговор прошлому героя, зритель предугадывает и своё будущее.

Филипп Гуревич: «Нам важно, чтобы залу было бескомпромиссно понятно, что происходит. У Войцека тоннельное мышление, он изначально поставлен в безвыходное положение. Некогда раздумывать и сопереживать, когда сам вынужден выживать. Это роднит текст позапрошлого века с нашим ощущением сегодняшнего дня. Трагедия Войцека в том, что рядом не оказалось ни одного человека, кто взял бы его за руку и сказал: пожалуйста, перестань. Спасение, поддержка, Бог — в тебе самом, в друге, в семье, в деле, которому предан».