Где-то на едва уловимой грани между чеховским психологизмом, родом из «Вишнёвого сада», и всеми оттенками сумасшествия, перекочевавшими из «Идиота» Фёдора Достоевского, живёт Джулия Ламберт. Прима английского театра, любимица публики, привыкшая блистать, причём не только в свете софитов. Она многолика и одновременно почти прозрачна — привычка играть чувства (или в чувства?) настолько деформировала её самость, что даже близким порой не под силу разглядеть, где Джулия, а где её очередной сценический образ.

Спектакль «Театр» — это театр в театре и театр о театре. 33 актёра, 9 музыкантов и собака Груша. Немое кино и музыкальное многоголосие, аскеза чёрно-белой палитры и всполохи красного пламени, прорывающиеся сквозь неё.

По пьесе «Смех лангусты» в редакции Жоржа Вильсона

Сару Бернар называли божественной актрисой, золотым голосом, императрицей театра. Эпатажная и несгибаемая, первая в истории мировая звезда. Ей предрекали раннюю гибель от туберкулёза — но ошиблись. Ей ампутировали ногу — но Сара Бернар продолжила играть, и публика рукоплескала ей.

Театр — это жизнь. Пока артист играет, он живёт.

В спектакле на сцене только два актёра: Юлия Рутберг и Андрей Ильин, — и великое множество персонажей.

Однажды летним днём на берегу Атлантического океана Сара Бернар вновь становится Федрой, Дамой с камелиями, Клеопатрой, Саломеей, Гамлетом... Она диктует своему верному секретарю Жоржу Питу мемуары — и разыгрывает с ним по ролям эпизоды из собственной жизни, превращая Жоржа то в жестокого антрепренёра, то в строгую настоятельницу монастыря, то в Оскара Уайльда.

Спектакль-бенефис Веры Алентовой в постановке художественного руководителя театра Евгения Писарева приурочен к 80-летию народной артистки России.

Это история о Хелене Рубинштейн, основательнице могущественной «империи красоты». Упорная и эксцентричная, она всего добилась сама. Придумывая всё новые косметические средства и неустанно совершенствуя свои изобретения, она не боялась экспериментировать, выражать точку зрения и вступать в открытые конфликты. Рубинштейн — одна из самых известных, влиятельных и богатых женщин мира. Но счастлива ли она?..

Пьеса известного австралийского драматурга Джона Мисто ставится в Москве впервые и потому станет открытием этого автора для столичной публики. Специально для Театра имени Пушкина переводчики Ольга Варшавер и Татьяна Тульчинская сделали адаптацию текста, приблизив его к реалиям, знакомым российскому зрителю.

Евгений Писарев:
«Несмотря на юмор, эта история — не легкая комедия, но полноценная драма с интересными героями и неожиданным сюжетом. В жизни Хелены Рубинштейн было очень много ярких событий, её обожали и ненавидели, ей стремились подражать, ей льстили. У неё есть слава, есть огромное состояние, но в какой-то момент она понимает, что совершенно одинока. Встреча с бедным, дерзким молодым человеком, по сути, меняет её — несмотря на все конфликты, на всю непохожесть, они становятся близкими людьми. Это обретение любви — не в романтическом, а просто в человеческом смысле — и есть самое главное. И в пьесе, и в жизни».

«Васса Борисовна — лет 42, кажется моложе»... Это все, что сообщает о своей героине автор, представляя действующих лиц пьесы. Остальное мы узнАем от нее, её домочадцев, разговоров с ними и из поступков, ею совершенных...

В шестнадцать вышла замуж, родила девять детей. Шестерых похоронила, осталось трое, один из которых, первенец (отец единственного внука) — при смерти. Девять беременностей! Это восемьдесят один месяц, без малого семь лет!

Прошла путь от абсолютного бесправия, как и положено по понятиям Домостроя, до абсолютной же власти в доме и в бизнесе, который вынужденно взвалила на себя, заместив мужа Сергея, Сергея Петровича, когда-то капитана... Не выдержал капитан испытания денежным валом, оскотинился до последней степени.

Выглядит моложе. А сорок два. И любви за жизнь так и не познала. Капиталистка, «бизнесвумен» по-нонешнему, мать, у которой до детей не доходят руки, ради процветания дела, «доброго имени» ради идет на убийство мужа, киднепинг, выдает жандармам сноху-революционерку. Триллер что ли такой? Да нет, тут всё куда как серьезнее...

Мы с ребятами моей Мастерской подошли к делу не с модной нынче позиции: «Я — художник и первоисточник только повод для моего собственного высказывания. Я так вижу». И понеслось!.. Мы же пытались как можно глубже и точнее разобраться в тончайших нюансах человеческих отношений, искали причинно-следственные связи для каждого поворота сюжета, стремились быть доказательными в каждом поступке персонажей.

Классикой становится литература неактуальная. Классика — это то, что на все времена. И если сегодняшние молодые люди, затаив дыхание, сопереживают героям горьковской пьесы о событиях столетней давности, значит это как раз тот случай...

Пьесы французского драматурга Флориана Зеллера из его «семейной трилогии» — «Папа», «Мама», «Сын» — сегодня у всех на устах и это понятно: его драмы посвящены проблемам современной семьи и задевают каждого. Они попадают в болевую точку времени, говорят о том, что ментальное здоровье сегодня — как тонкий лёд, который в любой момент может разлететься вдребезги под напором жизни. В одном интервью Зеллер назвал своих героев «людьми с трещинами». При этом уточнил, что не пишет исповедей — рассказанные им истории далеки от его собственной жизни. Просто он умеет страдать (и сострадать), а это, по мнению Зеллера, важнейшее качество для писателя.
Героине пьесы «Мама» — женщине на грани нервного срыва, чьи дети выросли и живут своей жизнью, а муж заметно отдалился — не сострадать невозможно.

Егор Трухин: «Я думаю, мы все в какой-то степени вынуждены „бросать“ своих мам, когда уезжаем в свою жизнь из родного города, из дома, где выросли... Мне кажется, эта пьеса не только про одиночество матери, но и вообще про одиноких людей. Про отсутствие диалога между людьми. Наш спектакль — попытка понять и почувствовать, что может произойти с человеком, который остаётся в полном одиночестве».

Вслед за романом Карела Чапека «Жизнь и творчество композитора Фолтына» (по которому был поставлен спектакль «Маэстро») режиссер Юрий Иоффе продолжает знакомить зрителей с малоизвестными произведениями

Считается, что каждому в жизни выпадает счастье встретить свою любовь. Кто-то встречает ее в юности, кто-то в более зрелом возрасте. Как признается главная героиня комедии А. Островского и П. Невежина помещица-вдова Серафима Сарытова (заслуженная артистка России Татьяна Аугшкап), молодость ее «прошла без радостей, она не растратила своего чувства», но все изменила одна встреча. И теперь виновник этих изменений — Степан Баркалов (Всеволод Макаров) — служит управляющим, а скорее властвует в имении влюбленной в него помещицы.

Комедия о том, как чувства, а также страх потерять свое только что обретенное счастье, часто преобладают над здравым смыслом.

За всеми перипетиями лихо закрученного сюжета зрители смогут наблюдать, сидя по периметру камерного пространства Малой сцены «Маяковки».

«Время женщин» — сложносочинённый спектакль, действие которого разворачивается в атмосфере Ленинграда 50-60-х годов. Его главная героиня — молодая художница Софья. После смерти матери она оказалась на воспитании у трёх соседок по коммунальной квартире, которые время от времени напоминают древних прорицательниц, прядущих нить судьбы и хранящих память всего человечества.

Со сцены звучат воспоминания о былом, рассказанные четырьмя актрисами: Алёной Бабенко, Светланой Коркошко, Людмилой Крыловой и Таисией Михолап. В основу спектакля лег одноименный роман, за который его автор, Елена Чижова в 2009 году получила литературную премию «Русский Букер».

В Афинах говорили: «Выше всего в жизни людской — закон, и неписаный закон — выше писаного». Об этом в 442 году до н.э. Софокл сочинил трагедию «Антигона». А в начале 40-х гг. ХХ века Жан Ануй в оккупированном Париже на основе произведения Софокла написал свою «Антигону». Именно её образ стал в те годы и воплощением высшей нравственности, и символом борьбы с фашизмом.

«Антигона» написана на мифологический сюжет фиванского цикла. Полиник, сын царя Эдипа, после смерти отца сражался за власть со своим родным братом и погиб у стен Фив. По приказу нового царя — Креона, тело Полиника было запрещено хоронить, тогда как защитник города Этеокл был погребён по закону.

Их младшая сестра Антигона не согласна с таким решением: ночью, минуя охрану, она предаёт тело брата земле, зная, что за это ей грозит смерть. Но юная девушка не может и не хочет пойти против человеческих законов и закона Богов...

Судьба или воля? Законы страны или законы совести? На что готов пойти человек ради любви? Ответы на эти вечные вопросы пытаются найти тысячелетиями, но однозначного решения никто не даёт: каждый должен сделать самостоятельный выбор.

Владимир Киммельман: «Перечитав „Антигону“ Ануя, я понял, что, во-первых, актуальней пьесу сейчас тяжело найти, ощущение, что она написана сегодня. Написана красиво и мощно. Во-вторых, чем тяжелее материал, тем мне, как режиссёру, интереснее с ним работать.

Мне повезло в этой работе встретиться с прекрасными актёрами, у нас собралась классная постановочная команда. С Дашей Мельниковой мы вообще были однокурсниками: вместе учились в Щепкинском театральном училище на курсе В. Бейлиса и В. Иванова, играли главные роли в „Строителе Сольнесе“ Г.Ибсена. Я по первому образованию актёр, а сейчас учусь на режиссуре. Даша замечательная артистка, и мне очень интересно с ней работать уже со стороны режиссёр/актриса».

Что побуждает сейчас обращаться к трагедии Жана Ануя по античному сюжету? — Наша действительность с глобально надвигающейся некоммуникабельностью, отчуждением, разрушающими личность, общество, культуру, политику. Спектакль о Медее и Язоне (их бессменно играют Юлия Рутберг и Григорий Антипенко) с 2011 украшает репертуар Вахтанговского театра, а тема становится всё более актуальной.

Тревожно, что современный мир не фиксирует историю своей болезни — поднимают голову ксенофобия, расизм, агрессия.

Отстоять свою независимость, быть непохожим на других, отринуть соблазнительный лозунг «я такой как все», осознать, что безликое равенство гибельно — это удел сильной личности.

«Медея» Ануя спустилась с котурн Еврипида, она ближе, понятнее нам, её лексика современна. Диалог героев трагедии как бы движется по спирали, кругами — от прошлого к настоящему и опять к прошлому.

Медея Юлии Рутберг живет не сегодня, а вчера, у нее нет завтра. Её память неистребимо возвращается к истокам, когда она, дочь царя Колхиды, похитила ради любимого золотое руно. Для Медеи предательство Язона не только попрание любви, это разрушение её жизненного пространства, гармонии души.

В их поединке не может быть победителя. В единоборстве столкнулись разные миры, где долг, честь и здравый смысл — антагонисты. Смерть — граница их вражды и выбор её — высшее проявление свободы личности. Медея уходит в небытие вместе с детьми, ибо не может оставить их такому Язону, благоденствующему в созданном им мире фальши и равнодушия. Она не позволит им оказаться заложниками пошлой философии сытого равенства. Смерть — не поражение Медеи, а её нравственная победа.

Этот моноспектакль — бенефис народной артистки РСФСР Алины Покровской. Спектакль приурочен к юбилею актрисы, который она отпраздновала в 2020 году.

Пьеса «Баба голубиная», написанная драматургом Дмитрием Минченком, рассказывает о том, как сложилась судьба Надежды Кузякиной, героини, которую зрители прекрасно знают по фильму «Любовь и голуби». Над сценарием к фильму работал Владимир Гуркин, автор одноименной пьесы. И вот теперь на Экспериментальной сцене Театра Армии выходит ее продолжение, история, второе название которой — «„Любовь и голуби“ тридцать лет спустя». Идея пьесы принадлежит Евгении Кузнецовой.

Это история сильной духом женщины, прошедшей сложные испытания, измены, потерю близких и родных. История, в которой затейливо переплетается трагическое и смешное. Это история женщины, умеющей прощать и не потерявшей способность любить.

Рассказывает режиссер спектакля Андрей Бадулин: «Когда мы начали работать над пьесой, осознавали, что существует реальная опасность подпасть под обаяние культового фильма и представить зрителю его ремейк, и мы поняли, что лучшим решением будет абстрагироваться от первоисточника и рассказывать новую самодостаточную историю. Тем более, что Нина Дорошина, и Алина Покровская — совершенно разные актерские индивидуальности. Кроме того, между событиями двух пьес прошло 30 лет, и, конечно, героиня изменилась за это время, потому что людям свойственно меняться. Эта пьеса — о вечных темах, понятных каждому, ведь у любого человека в жизни есть и много бед, и много радостей, хоть каждый человек и уникален. Я очень благодарен драматургу Дмитрию Минченку — он дал нам полную свободу. Я благодарен Алине Станиславовне Покровской, которая полтора часа на сцене одна рассказывает очень непростую историю, и делает это совершенно самоотверженно».

Чеховские рассказы «Барыня» и «Бабы» объединены в спектакле темой мимолётности счастья, загубленности жизни. В первом рассказе действие строится вокруг истории о жизни и любви несчастной солдатки Машеньки нравственно и физически истерзанной жизнью с постылым мужем и преданной любимым человеком. Второй повествует о барском кучере Степане, чья жена Марья ждёт ребёнка. Но их благостная жизнь заканчивается, когда барыня Стрельчиха решает сделать Степана своим любовником.

Сергей Землянский не первый раз работает с драматическими артистами Центра театра и кино. Спектакль «Марья» — продолжение поисков режиссера в рамках созданного им направления «новой пластической драмы». Жанр спектакля его создатели определяют как «wordless-drama», в котором артисты создают образы практически без слов, в основном используя язык тела, пантомиму и пластику.

Сергей признается, что для него интереснее работать с драматическими артистами, так как они глубже и эмоциональнее могут выразить переживания персонажей, добавить красок и создать уникальный характер.

«Нам было интересно поразмыслить о русском человеке на примере великого автора, очень точного в понимании своего времени. Но всё же мы убедились, что, как говорится, мораль временна, а мудрость — вечна. Это истории о людях. О людях неустроенных, разобщенных и духовно, и социально. Но все-таки отчаянно пробивающихся друг к другу, пытающихся найти свет в себе, и найдя его, сохранить. Мы хотели, пусть отчасти, „без слов“, прожить эти истории на сцене. Истории разные, но которые, как мы надеемся, сложатся в одну большую картину», — отмечает режиссёр-хореограф спектакля Сергей Землянский.

Клочок земли, окруженный водой. Три мужчины и одна женщина. Можно всё, так как Бог ушел. Это история о дисгармоничной природе человека на фоне гармоничной природы. «Ветер ласково гладил атласную грудь моря, солнце грело ее своими горячими лучами, и море, дремотно вздыхая под нежной силой этих ласк, насыщало жаркий воздух соленым ароматом испарений. Зеленоватые волны, взбегая на желтый песок, сбрасывали на него белую пену, она с тихим звуком таяла на горячем песке, увлажняя его» — парадоксальным образом райские пейзажи становятся фоном, на котором рушатся человеческие судьбы. Рвутся все человеческие связи: между мужчиной и женщиной, отцом и сыном, друзьями. Главная героиня истории Мальва — роковая красавица, потерявшая интерес ко всему. «Мне всегда хочется чего-то. А чего?.. не знаю. Иной раз села бы в лодку — и в море! Далеко-о! И чтобы никогда больше людей не видать. А иной раз так бы каждого человека завертела да и пустила волчком вокруг себя. Смотрела бы на него и смеялась». Имитируя жизнь, она пытается от нее защититься. Все исчезает со своей скоростью отмирания. Витальность покидает этот мир. Природа в этот час особенно прекрасна.