Эту пьесу Гоголь назвал «совершенно невероятным событием в двух действиях». Событие оказалось действительно невероятным: уже почти два века пьеса не сходит с российской и мировой сцены, открывая каждому поколению что-то свое, близкое и родное. Режиссер Сергей Арцибашев увидел в «Женитьбе» яркий отблеск народной души, сделал песенно-романсовое начало определяющим лирическим элементом спектакля. «Спектакль похож на блюдо в дорогом ресторане, где горькое искусство уравновешивается сладким, а кислоту перебивают пряности. Неизменно интеллигентное (что бы он ни придумывал, а тут он ничего особенного и не придумывает) оформление Олега Шейнциса урезонивает громкий хор сенных девушек и дворовых юношей, который не замолкает, кажется, ни на минуту, откровенно эстрадные номера в исполнении незадачливых женихов соседствуют с мистической игрой зеркалами, откуда то смотрят те же женихи, пугая невесту, то вываливается Кочкарев. Художественная эклектика спектакля напоминает модный стиль «фьюжн», сочетающий несочетаемое, что делает его важной составляющей не столько театральной, сколько светской жизни. Актерам режиссер не просто доверился, но дал порезвиться вволю.

Неоконченная пьеса немецкого драматурга, учёного и поэта XIX века Георга Бюхнера основана на документальной истории цирюльника из Лейпцига по фамилии Войцек.

Из ревности он убил свою жену и был приговорён к смертной казни. Во всемирно известном сюжете, освоенном и оперой, и балетом, и кинематографом, герой становится солдатом, над которым ставят медицинские эксперименты. Бюхнер знал об этом не понаслышке: современникам он был известен как автор курса сравнительной анатомии человека.

Режиссёр Филипп Гуревич предлагает взглянуть на «Войцека» не как на драму маленького человека, подавляемого большинством, а как на бытовую трагедию, в шаге от которой — каждый из нас. Создатели сочиняют выразительный мир немецкого экспрессионизма, а зрители оказываются внутри игрового пространства, в прямом контакте с артистами, и становятся участниками суда над героем. Войцек, загнанный в сценический круг, — человек или насекомое? Жертва или убийца? Как вырваться из болота обстоятельств, принуждающих тебя к насилию? Вынося приговор прошлому героя, зритель предугадывает и своё будущее.

Филипп Гуревич: «Нам важно, чтобы залу было бескомпромиссно понятно, что происходит. У Войцека тоннельное мышление, он изначально поставлен в безвыходное положение. Некогда раздумывать и сопереживать, когда сам вынужден выживать. Это роднит текст позапрошлого века с нашим ощущением сегодняшнего дня. Трагедия Войцека в том, что рядом не оказалось ни одного человека, кто взял бы его за руку и сказал: пожалуйста, перестань. Спасение, поддержка, Бог — в тебе самом, в друге, в семье, в деле, которому предан».

Два британских джентльмена Викторианской эпохи, чтобы понравиться своим избранницам, затевают рискованную и непредсказуемую игру, называя себя именем «Эрнест». Это имя в английском языке созвучно с прилагательным «серьёзный».

Обе их возлюбленные почему-то вбили в голову не только себе,
но и своим воздыхателям, что их женихов не могут звать иначе, как Эрнест, то есть — «серьёзный человек». Впрочем, желание молодых леди понятно: репутация серьёзного мужчины была в чести у дам не только в конце девятнадцатого века.

Игра светских юношей в псевдонимы бурно заворачивает развивающиеся события. А вот к чему привела, казалось бы, вполне невинная проделка молодых джентльменов, смотрите в спектакле Театра Маяковского.

Спектакль создан режиссёром Анатолием Шульевым в содружестве с художником Мариусом Яцовскисом по знаменитой комедии Оскара Уайльда «Как важно быть серьёзным», которая была впервые сыграна 14 февраля 1895 года. Именно в этот день, 126 лет спустя, Театр им. Вл. Маяковского и представляет зрителю этот шедевр О. Уайльда, который с первого представления имел невероятно успешную сценическую судьбу и сразу был высоко оценен как зрителем, так и многими выдающимися современниками автора.

Режиссер Евгений Закиров отказывается от расхожей эстетики сумасшествия и главными мотивами делает экзистенциальный кризис слабого интеллигентного героя, заблудившегося в щемящей абсурдности русского мироустройства. В спектакле кроется много философии, неспешной лирики, абсурдного юмора и трагедия, обычная у Чехова: когда могло случиться чудо, а случилась нелепость — и погубила человека.

Евгений Закиров: «Этот текст вообще не про психушку! Стоит ли бороться с чем-либо вообще? Вот главная тема. Ещё для меня важна здесь форма любви. Два человека — врач и пациент — нашли друг друга. Это очень важная встреча, когда один в другом открывает целый мир и влияет на него. Но роком судьбы эти двое оказались по разные стороны баррикад, как жертва и палач».

Спектакль приурочен к празднованию 200-летия со дня рождения А.Н. Островского и 100-летию постановки Вс.Э. Мейерхольда «Доходное место». Имя Островского — одно из самых постоянных на афише Театра им. Вл. Маяковского: «Лес» станет восьмым спектаклем великого драматурга в текущем репертуаре Маяковки. Первой же постановкой по Островскому на этой сцене была комедия «Доходное место», которую главный режиссер Театра Революции (ныне Театра Маяковского) Вс. Мейерхольд осуществил ровно 100 лет назад — премьера состоялась в 1923 году. Спектакль стал настоящей «классикой» театра ХХ века.

На этот раз 200-летие А.Н. Островского в Театре Маяковского отметят постановкой комедии «Лес», в которой будут задействованы несколько поколений артистов Маяковки: как молодые, недавно принятые в труппу актеры, так и именитые мастера сцены. Среди исполнителей главных ролей — Анна Ардова, Вячеслав Ковалев, Дарья Повереннова, Сергей Удовик. За сценическое оформление будущей премьеры отвечает народный художник России, главный художник Театра Маяковского Владимир Арефьев.

Сегодня — да!

С этого заклинания в день 90-летия начинается путешествие главного героя, журналиста и скептика, по собственной жизни. Пространство магической комнаты, созданное Владимиром Арефьевым, живет и дышит вместе с сюжетом. Здесь возможно сочинять прошлое заново, потому что будущее уже вряд ли возможно. Альтер-эго героя ведет его от одной влюбленности к другой, переносит в детство, к истоку мужского «я» — к матери. И возвращение в молодость, прожитую со страстью, но без любви, оборачивается откровениями о старости, внезапно озарённой сумасшедшей любовью.

В спектакле много музыки и танцев. Главный герой окружен женщинами, и даже живой оркестр на сцене состоит всецело из них. Хореография Дениса Тагинцева, чемпиона мира по латиноамериканским танцам, делает ещё более чувственным и без того поэтичный текст. Здесь смешное спорит с ироничным и запоминается хлесткими цитатами о непостижимости жизни.

Егор Перегудов: «Мне близок магический реализм Маркеса как способ взаимодействия с реальностью — когда силой фантазии ты можешь трансформировать мир вокруг. Кажется, на данный момент это единственное, что могут делать люди искусства.

Я долгое время занимался романом „Сто лет одиночества“ с молодыми актерами, студентами. Сейчас хочется погрузиться в мир магического реализма с народными артистами, мастерами сцены. Тем более что последние произведения Маркеса — горькие, исповедальные, но при этом очень жизнеутверждающие».

Богатый господин Арнольф, проведший, по всему, бурную молодость, решает, наконец, жениться. Чтобы не стать рогоносцем, он «выращивает» себе будущую жену из бедной девочки в монастыре, полагаясь на её чистоту, наивность и бесхитростность. Поселив юную Агнесу в доме напротив под присмотром слуг, он вдруг обнаруживает, что какой-то юный щёголь в его отсутствие общается с девушкой, целует ей руки и говорит разные слова.

Вот тут и завязывается клубок настоящих страстей, хитростей сюжетных ходов и печальных предопределенностей судьбы.

Высокая комедия с глубоким смыслом. Мольер говорил, что «... заставить порядочных людей смеяться — дело нелегкое...», но все же сумел «... приглядеться поближе к смешным чертам в человеке и показать их... занимательно».

Пьеса Трейси Леттса «Август: графство Осейдж» была поставлена на ведущих сценах мира и получила Пулитцеровскую премию. В Театре им. Вл. Маяковского состоялась первая постановка пьесы в Москве.

В городе Талса, штат Оклахома, в отчий дом съезжаются члены большой семьи Уэстонов. Пропал отец, и три дочери — Барбара, Карен и Иви, их мать Виолетта, тетя Метти Фей, а также их мужья, дети и ухажеры собираются под одной крышей, пьют виски и выясняют отношения, обвиняя друг друга в предательствах, подавленных чувствах и изломанных судьбах. У каждого есть свой скелет в шкафу и все тайное, что обычно скрывается за фасадом благополучного дома, становится явным.

Универсальная история семьи Уэстонов, поставленная на сценах от Бродвея до Новосибирска, о вечных семейных вопросах: остаться с родителями в провинции, пожертвовав своей жизнью? Или уехать строить свою судьбу, высылая деньги и подарки? Долг это или любовь — семейные узы? Особенно если твоя жизнь искорежена — по вине семьи, где от тебя стараются отщипнуть кусочек побольше и съесть за семейной трапезой. «Возвращение в лоно семьи, с обедом под кленами, очень похоже на ныряние в бассейн к осьминогам», — об этом речь в спектакле Эциса.

Латышский художник Гинтс Габранс сооружает на сцене геометрическую конструкцию — типичный современный дом со стандартным дизайном. С помощью технологии мэппинга на белых стенах декорации возникает образ дома Уэстонов — 3D-модель, сделанная по размеру настоящего дома. Это реальный дом — гостиная, кухня, ванная, кабинет, мансарда. Выдвигающиеся панели декорации по ходу спектакля дают новые срезы: параллельно с драматическими столкновениями на сцене двигается, меняет цвета и ракурсы цифровой образ дома. Дом открывает свои тайны — как рентгеном просвечивается скелет семейной истории.

В постановке Гиртса Эциса семейная история выглядит то кинематографической реальностью в цветной 3D-проекции, то вдруг становится стилизованно театральной на фоне аскетично белых панелей дома. То герои живут реальной жизнью, где «нет ни черного, ни белого, и этим объясняется все», то вдруг надевают маски тех, кем являются в иерархии семьи.

«Йокнапатофа» — новая версия спектакля режиссера Миндаугаса Карбаускиса. Поставленный им в 2004 году по роману выдающегося американского писателя У. Фолкнера спектакль в Театре Табакова прогремел на всю Москву, был удостоен двух «Золотых Масок» и премии «Хрустальная Турандот».

Йокнапатофа — это придуманный Фолкнером округ на юге США. Посетив Йокнапатофу, мы познакомимся с большой семьей фермера Бандрена и вместе с ней отправимся на скрипучей телеге, запряженной покорными мулами, в путешествие по пыльным дорогам такой обычной и в то же время такой загадочной страны.

Пересекая бурную, сметающую мосты реку, мы увидим, как тонут люди и животные в несуществующем в реальности на сцене потоке воды. Удивимся, как в магии театрального действа напольные часы вдруг превращаются в гроб, а таз с водой для стирки — в бушующий поток.

Это — спектакль-парадокс. В нем двадцать героев смеются и плачут, ругаются и грустят, одним словом, живут под выразительные мелодии в стиле кантри, не боясь смерти, понимая ее неизбежность и относясь к ней с мудрым спокойствием.

Главное событие спектакля — уход из жизни матери семейства — обнажит для нас характеры и чувства каждого из героев, наполненные яркими эмоциями.

Участники спектакля стремятся по-новому, из сегодняшнего дня посмотреть на художественный мир и личность Владимира Маяковского. Это попытка «живьем», без почтительной дистанции, но с невероятным вниманием разобраться в том, как существовал художник в атмосфере 1910-20х годов. Как тот, кого мы считаем классиком, жил, любил, набирал поэтическую мощь, как его биография пересекалась с биографией других культурных героев эпохи — Чуковского, Хлебникова, Шкловского, Булгакова, Пастернака, как они сами, в одночасье становились творцами мира и истории.

МАНИФЕСТ О САХАРЕ

1. Сахар — форма жизни. Ее вкус. Сахар — это сладкое чувство любви. Сахар — то, о чем мечтаешь, пока идет война — хорошая жизнь. Сахар — за него тебя покупают. Сахар — орудие труда, пища для мозга и поэзии. Сахар — это засахаривание жизни, когда все хорошо, а тошно. Сахар — казался мечтой, а оказалось, сахарок, за которым пошел, а может и зря. Сахар — желания, слава, власть. Сахар — сам человек. Люди вокруг едят его. Вприкуску и размешивая. Сахар — это жизнь и она закончилась.

2. Пьеса «Маяковский идет за сахаром» написана по ходу действия. Драматург пишет пьесу и приносит по сцене на репетиции, а режиссер и актеры, идут, ощупывая факты биографии поэта и заново проживая жизнь Маяковского — сцена за сценой. Узнают героев, понимают их и чувствуют. Пока пьеса не была дописана, никто не знал — какое событие жизни станет следующей сценой. Это дало ощущение ожидания, интереса, азарта к материалу. Ощущение живого человека. Мы взвешивали, что важно в нашей истории — и в жизни Маяковского. Было важно: не знать заранее — как и в жизни. Пытались идти по правде — героев, обстоятельств и одновременно нас, сегодняшних.

3. Спектакль «Маяковский идет за сахаром» — это попытка представить Маяковского глазами молодых. «Он дурачился, и мы дурачимся, он писал стихи, а мы спектакли ставим, он носил желтую кофту, а я ношу желтую шапку, а мой друг — зеленую», — говорит один из героев пьесы, молодой актер Театра им. Маяковского. Такой он, как мы, или совсем другой? — можно решить, только сыграв его и его друзей — Велимира Хлебникова, Виктора Шкловского, Бориса Пастернака.

4. Эпоха — это подлинные свидетельства. Лилю Брик, которая с высоты лет вспоминает Маяковского, играет народная артистка России Галина Анисимова.

5. В спектакле две Лили: одна — эпоха, прожитая жизнь, опыт, глубина. У другой — впереди все: и встреча с поэтом, и все-все-все.

6. В спектакле существуют документальные монологи — героев 20-х годов — и сегодняшнее видео (Андрей Стадников).

7. Режиссер Мейерхольд, ставивший пьесы Маяковского, говорит в пьесе: нужно уйти от существования в рамках одной роли, пусть все актеры играют все роли. В спектакле «Маяковский идет за сахаром» совершаются превращения по заветам Мейерхольда.

8. В спектакле «Маяковский идет за сахаром» неразрывно работали вместе над сочинением спектакля режиссер и драматург — также когда-то сам поэт работал с Мейерхольдом, сокращая и добавляя необходимые сцены, общаясь с актерами и называясь режиссером слова. Потому что — пьеса рождается в театре.

9. Спектакль — череда сцен, где нет вымышленных фактов и воображаемых встреч. Но это художественная пьеса. Где все — правда и все — вымысел. Это наша версия Маяковского и мы считаем ее нашей правдой о нем.

10. Герои — не собрание памятников и томов, а живые люди, в кепках, фуражках и шляпах. Они любят сахар: едят его из изящных сахарниц или тащат на себе мешками с фронта.

11. Жизнь Маяковского проходит в белой коробке, придуманной художником Полиной Гришиной, — это и маленькие комнаты 20-х годов, и образ театра, где оживают и двигаются герои, знакомые с белых страниц книг. Жизнь становится театром, а театр — должен оставаться живым.

Фотографии Дениса Жулина, Евгении Бабской и Галины Фесенко